*VOTRE PREMIER CONTACT AVEC L’ART ET CE QUI FAIT QUE VOUS ÊTES DEVENU ARTISTE

Mon premier contact avec l’art, c’est Matisse. Il est né à quelques kilomètres de ma ville natale, dans le nord de la France. Depuis tout petit, je vais régulièrement au musée Matisse, à Cateau-Cambrésis. J’ai toujours été fasciné par son livre Jazz: sa liberté, son énergie, sa joie et la manière dont il parvient à faire danser les couleurs grâce à la technique du pochoir. Chez Matisse, il y a une spontanéité maîtrisée, une élégance dans la composition, une lumière qui m’a marqué très tôt. Je crois que c’est là que j’ai compris qu’on pouvait imprimer la couleur, la faire vivre autrement que par la peinture. Ce lien entre art, papier et impression ne m’a plus quitté.

*TROIS ŒUVRES 

1. Quatre gravures monumentales de 2 x 1 m. par Jean-Marie Appriou pour une exposition au Consortium.

https://www.consortiummuseum.com/fr/seabed

Ce projet constituait un véritable défi, tant sur le plan technique que temporel. Le résultat est d’une grande force : des aplats denses, des matières profondes obtenues grâce au travail des acides, donnant aux images une présence physique remarquable. Aujourd’hui encore, je retrouve souvent ces gravures exposées sur le stand de Perrotin lors des foires, signe de la puissance durable de cette collaboration.

2. Le Poids de la Lune par Etel Adnan.

https://www.galerie-lelong.com/fr/artiste/34/etel-adnan

Cette série de gravures réalisée pour les éditions Lelong est une œuvre que j’admire profondément. Elle se distingue par ses couleurs franches, la douceur et la lumière qui s’en dégagent. Chez Etel Adnan, l’association des teintes relève d’une justesse rare, presque poétique. J’ai eu la chance de graver l’ensemble de cette série aux côtés de Christian Mameron et Dominique Guibert.

Ce travail fut une aventure passionnante : comprendre comment traduire la couleur d’Etel dans la matière, comment faire vibrer ses paysages intérieurs à travers le geste d’impression. Une expérience déterminante dans mon parcours.

3. L’Espace heureux par Sabine Finkenauer.

https://www.rlddiffusion.com/fr/finkenauer/569-l-espace-heureux.html

Ce livre pop-up a représenté un véritable défi de renouvellement du livre d’artiste, en l’inscrivant pleinement dans une approche contemporaine. L’ensemble a été réalisé en lithographie, avec quatre passages de couleur, accompagné de textes de Francis Ponge et Gaston Bachelard. Publié aux éditions RLD, L’Espace heureux fut mon premier livre d’artiste en lithographie. Il demeure aujourd’hui encore une étape fondatrice de mon travail, et une réalisation dont je suis particulièrement fier.

* VOTRE PARCOURS

Je n’étais pas destiné à devenir artiste. En entrant aux Beaux-Arts, je voulais faire de la bande dessinée, puis du design graphique. C’est lors d’un atelier de gravure sur bois que j’ai eu un véritable déclic.

J’ai ensuite enchaîné les stages dans une maison d’édition qui était aussi une imprimerie d’art. J’y ai appris la lithographie, la gravure sur cuivre et sur bois, en même temps que je découvrais le métier d’éditeur. Ma passion pour l’image imprimée vient de l’envie d’éditer des personnalités et de diffuser l’art au plus grand nombre.

Après douze années dans un atelier d’impression, j’ai quitté cette structure pour créer ma propre maison d’édition et fonder un lieu à la frontière entre art, design et artisanat. En 2022, j’ai été lauréat de la Villa Kujoyama, ce qui a marqué un tournant majeur dans mon travail et mon rapport au Japon.

* VOUS ET LE JAPON

Avant de partir à Kyoto, je ne connaissais rien du Japon. Je suis arrivé avec un regard complètement vierge, sans projet figé, simplement curieux de découvrir un autre rapport au geste et au temps.

À la Villa Kujoyama, j’ai appris le Moku Hanga, la gravure sur bois traditionnelle japonaise. C’est une technique à la fois écologique et poétique, qui m’a permis de renouer avec un rythme plus lent, plus organique. J’ai aussi découvert le papier washi, les artisans, le rapport très spirituel qu’ont les Japonais à la matière.

Ce pays m’a appris à ralentir, à observer, à chercher la justesse plutôt que la perfection. Aujourd’hui encore, le Japon est présent dans ma pratique quotidienne, dans le choix des papiers, des encres.

* VOS SOURCES D’INSPIRATION

J’ai beaucoup d’admiration pour Pierre Charpin, Yu Nishimura, Paul Cox, Beet Woodman, Misumaru, Etel Adnan, Camille Henrot, Idir Davaine…　Chacun d’eux a une approche singulière de la forme et de la couleur. Je m’inspire aussi beaucoup des paysages, des architectures et des papiers eux-mêmes : les fibres, les textures, la transparence du matériau influencent souvent le dessin.

* VOS TECHNIQUES

J’utilise principalement la gravure, le monotype, la lithographie et la gravure sur bois – à la fois occidentale et japonaise. Ce que j’aime, c’est la surprise de l’image imprimée, ce moment où le papier révèle quelque chose qu’on n’avait pas prévu. Je me considère autant comme un imprimeur que comme un éditeur : l’atelier est pour moi un lieu d’expérimentation, de dialogue entre l’artiste, la matière et la machine.

*UN RÊVE

Mon rêve serait de créer un lieu vivant, à la fois galerie, atelier et café, un espace de rencontres et de partage autour de l’art imprimé.
Un lieu qui fasse écho à des modèles comme Yvon Lambert, où la création, l’édition et la convivialité se rejoignent. Et, à plus long terme, devenir un éditeur d’art qui compte, en continuant à défendre la création contemporaine à travers le prisme du multiple.

*LE RÔLE DE L’ART SELON VOUS

Souvent, on me dit que mes livres et mes estampes, par le choix des artistes et des couleurs, dégagent de la joie.

Je crois que c’est ça, le rôle de l’art : offrir du réconfort dans les moments difficiles, rendre le quotidien plus lumineux.

https://www.instagram.com/sebastienesteban/?hl=ja